Die Hochschulen

© Kunstakademie Düsseldorf

Karl-Heinz Petzinka

• seit 2008 Professur an der Kunstakademie Düsseldorf, Klasse „Baukunst“
• 2017 – 2022 Rektor der Kunstakademie Düsseldorf

Karl-Heinz Petzinka, wie entsteht und entwickelt sich künstlerische Einzigartigkeit? Wie fördert man sie am besten?

Diese Frage zu beantworten, erfordert einen kleinen Einblick in unser Feststellungsverfahren für den Studiengang Freie Kunst. Die künstlerische Eignung beziehungsweise die hervorragende künstlerische Begabung wird einmal im Jahr in einer Woche jeweils zum Ende des Sommersemesters für das kommende Wintersemester an der Kunstakademie durch ein besonderes Feststellungsverfahren geprüft. Zugelassen zum Verfahren werden Studienbewerber:innen, die den Antrag mit allen erforderlichen Bewerbungsunterlagen, wie Nachweis der Hochschulreife und mindestens 20 bis 25 Arbeitsproben, eingereicht haben. Für die Durchführung des Feststellungsverfahrens wird eine Kommission gebildet bestehend aus dem Rektor und sechs Professor:innen künstlerischer Fächer und einem oder einer künstlerischen Mitarbeitenden sowie zwei Studierenden ohne Stimmrecht. Diese Kommission bewertet die eingereichten Arbeitsproben, beurteilt die künstlerische Eignung und bescheinigt deren Feststellung beziehungsweise eine hervorragende künstlerische Begabung.
 

Aus circa tausend Bewerbungen wählt die Kommission etwa 65 der Studienbewerberinnen und -bewerber aus, die ab dem folgenden Wintersemester zunächst zur Aufnahme eines Orientierungsstudiums für zwei Semester zum Studium zugelassen werden. Nach diesen zwei Semestern erfolgt eine erneute Prüfung. Nach mindestens zwei erfolgreichen Semestern kann das Studium in höheren Fachsemestern an der Kunstakademie fortgesetzt werden. Die Einschreibung bedarf jedoch der Zustimmung des Professors oder Professorin eines künstlerischen Fachs, den Studienbewerber oder die Studienbewerberin in die Klasse aufzunehmen. Diese Studierenden können das Studium bestenfalls mit dem Akademiebrief beenden.
 

Die Professor:innen haben darüber hinaus die Möglichkeit, ihre Studierenden zu Meisterschüler:innen zu ernennen. Mit diesem Ehrentitel zeichnen sie diejenigen aus, die sie in ihrer künstlerischen Eigenständigkeit und Einzigartigkeit besonders würdigen möchten. Den Weg und die Chance zu einer herausragenden künstlerischen Entwicklung haben die Professor:innen in unterschiedlicher Art und Weise durch Einzel- und Gruppengespräche, Symposien und Kolloquien, bei Exkursionen oder bei Ausstellungen und insbesondere durch Nominierungen bei Wettbewerben mit entwickelt, herausgearbeitet, initiiert und gefördert.

© Max Greve

Elke Seeger

• seit 2007 Professorin für Fotografie und Konzeption an der Folkwang Universität der Künste
• seit 2017 Prorektorin für Studium und Lehre

Elke Seeger, welche künstlerischen oder sonstigen Fragen und Themen bewegen Studierende der Kunst heute besonders?

Am 2. November 1981 hielt Max Frisch am City College of New York eine erste Vorlesung, in der er über die Kreativität der Künste nachdachte. Mit dem Titel „Schwarzes Quadrat“ widmete er seinen Vortrag dem gleichnamigen Gemälde des russischen Malers Kasimir Malewitsch: ein schwarzes Quadrat auf einem weißen Grundfeld.

„Ich habe keine Sprache für die Wirklichkeit“ ist ein Schlüsselsatz im Roman Stiller von Max Frisch aus dem Jahr 1954. Diesen zitiert er in seiner Vorlesung 1981 mit der Bemerkung, dass natürlich niemand eine Sprache für die Wirklichkeit habe, aber dass der Schriftsteller sich bewusst darüber sei, dass er sie nicht habe, und genau dieses Bewusstsein mache ihn zum Schriftsteller. Kreatives, künstlerisches Arbeiten, so schreibt Max Frisch, werde von der „Unerlässlichkeit der Erfindung“ bestimmt, die wir Fiktion nennen würden. Denn ein jedes Erlebnis bleibe im Grunde unsäglich, es sei denn, wir seien in der Lage, mit dem wirklichen Beispiel das ausdrücken zu können, was uns betroffen habe. Etwas ausdrücken könne nur das Beispiel, das uns so fern sei wie dem Betrachter: nämlich das Erfundene. „Vermitteln kann wesentlich nur das Erdichtete, das Verwandelte, das Umgestaltete, das Gestaltete – weswegen auch das künstlerische Versagen stets mit einem Gefühl von erstickender Einsamkeit verbunden ist.“ Einfall und Zufall, Spiel, Spontaneität und Imagination benennt Max Frisch als treibende Faktoren, betont aber zugleich, dass diese nicht allein entscheidend seien. Hinzu komme die Sensibilität im Umgang mit dem vorhandenen Einfall.

Frischs fragmentarische Überlegungen über die Kunst des Schreibens zeigen den komplexen Prozess künstlerischer Arbeit auf, dessen Grundsteine in der künstlerischen Ausbildung angelegt werden. Im persönlichen Austausch zwischen Studierenden und Lehrenden wird das Erfundene, Ungestaltete, Gesehene in eine visuelle Form gebracht, sensibilisiert, reflektiert, vertieft und kritisch befragt. Dieser Prozess, der den künstlerischen Weg zum jeweiligen Werk in den Mittelpunkt der Auseinandersetzung stellt, wird gemeinsam durchlaufen. Denn die Frage nach der Qualität einer Arbeit an sich selbst zu richten, ist nicht immer einfach. Diese reflektiert im Austausch mit Kommilitoninnen, Kommilitonen und Lehrenden zu erkunden, macht hingegen Sinn. Corona hat uns gezeigt, wie fragil und doch so wertvoll diese Form der Lehre ist.
(Zitate aus: Max Frisch: Schwarzes Quadrat, Frankfurt am Main, 2008, S. 19ff.)

© Daniel Biskup, Wittenberg

Mischa Kuball

• seit 2007 Professor für Public Art an der Kunsthochschule für Medien, Köln
• assoziierter Professor für Medienkunst an der Hochschule für Gestaltung/ZKM, Karlsruhe

Wie politisch oder „innerlich“ ist junge Kunst heute in Nordrhein-Westfalen?

„… das Private ist politisch“ war einmal die These in den 1960er Jahren, als die Gesellschaft neue Themen in den Fokus nahm: zum einen die Rolle der „Väter“-Generation in der Zeit zwischen 1933 und 1945 – und aber auch die Bedeutung der freien sexuellen Praxis als Treiber für gesellschaftliche Diskurse, wie das Recht am eigenen Körper (was aktuell in europäischen Staaten diskutiert und verteidigt werden muss) oder aber auch die freie sexuelle Bestimmung, mit allen Rechten und Pflichten, wie sie für die gleichgeschlechtlichen Lebensformen erstritten wurden.

Doch der Überfall Russlands auf die Ukraine am 24. Februar 2022 hat eine Zeitenwende, was die Betroffenheit und globale Solidarität angeht, gesetzt! Das drückt sich mittel- und unmittelbar in der künstlerischen Praxis bei vielen der Studierenden an der Kunsthochschule für Medien in Köln aus: Das Politische – der brutale russische Angriffskrieg – zeigt sich sofort als Reaktion im Privaten: Traumata, Rückzug, aber auch Protest und große Solidarität mit den betroffenen Familien in der Ukraine, aber auch mit den Familien, die bis nach Deutschland flüchten konnten und hier Aufnahme in unsere Gemeinschaft finden.

Natürlich empfinden sich einige als Künstler eher machtlos und sehen sich angesichts der Kraft der zerstörenden Maschinen als hilflos an – doch setzen sie seit einiger Zeit große Energie dafür ein, die Kraft der Kunst für erweiterte Aktionen zu nutzen: Sie schaffen Kunstwerke und veräußern sie auf Auktionen für Zwecke, die der Zivilbevölkerung in der Ukraine als Unterstützung in Form von Spendenmitteln zugutekommen. Dieser Einsatz ist beispiellos und ragt bis an den Rand der eigenen Existenz – das ist neu, auch in der Wohlstandsgesellschaft, in der wir uns eingerichtet haben. So verändert auch nachhaltig das Politische das Private!
Mischa Kuball, Juni 2022

Nina Gerlach

• seit 2015 Professorin für Ästhetik und Kunstwissenschaft
• von 2018 bis 2021 Prorektorin
• seit 2021 Rektorin der Kunstakademie Münster

Nina Gerlach, ist die Zukunft der Kunst digital und crossmedial oder werden Malerei und Grafik, Skulptur und Installation auch diesen gesellschaftlichen Wandel überdauern?

Es gibt keinen Grund anzunehmen, dass diese Gattungen von digitalen Computertechnologien verdrängt würden. Anstelle der Realisation eines solchen bis in die Antike zurückreichenden kulturpessimistischen Topos ist es wesentlich wahrscheinlicher, dass sich traditionelle Kunstformen durch den Einfluss neuer Technologien weiter verändern werden. Nehmen wir als Beispiel die Malerei. Sie hat immer schon auch auf technologischen Wandel wie etwa die Camera lucida, die Fotografie oder den Film reagiert; sei es durch formale Abgrenzungen, intermediale Bezüge oder durch faktische Integration neuer Technologien in ihre Herstellungsprozesse.

Bereits in den 1960er Jahren haben Künstler wie Zdeněk Sýkora sowie ab den 1980er Jahren Andy Warhol und Albert Oehlen Malerei und computerbasierte Techniken zusammengebracht. Seit der Jahrtausendwende treten hybride Gestaltungsformen aus Malerei und digitaler Computertechnologie vermehrt auf. Die traditionsreiche Gattung wird dabei gerade nicht in Konkurrenz zum „Digitalen“ gesetzt, sondern gilt selbst als digital transformierbar. Umgekehrt erscheint Computertechnologie zunehmend in dem spezifischen, historisch gewachsenen medienästhetischen und soziokulturellen künstlerischen Kontext der Malerei.

Digitalisierung wird somit hinsichtlich ihrer umgestaltenden Qualität von bereits Bestehendem sicht- und reflektierbar. Mehr noch: Diese hybride künstlerische Praxis wirft auch neue Fragen nach konzeptuellen Kontinuitäten oder Verwandtschaften medialer Strukturen zwischen neuer digitaler Technologie und historischen Formen der Malerei auf. Der Einsatz digitaler Technologien in den Arbeitsfeldern traditionellerer Gattungen erweist sich im Idealfall also als ästhetischer Neuerer und Erkenntnistreiber in beide Richtungen.